Pourquoi j’ai créé une exposition d’art urbain avec l’IA à Paris.

Ctrl+Art+Del est mon exposition d’art urbain et d’intelligence artificielle à Paris — et elle a commencé par un reflet dans une flaque d’eau.

Une crue avait laissé derrière elle des reflets boueux et des graffitis trempés — mais dans une de ces flaques, j’ai entrevu plus qu’une fresque. J’ai vu question:

Et si l’art pouvait s’échapper du mur et devenir son propre reflet — libre, mouvant, insaisissable ?

Ce moment a déclenché un voyage. Quelques années plus tard, avec l’émergence de l’IA comme outil créatif, j’ai ressenti la même impulsion que lorsque la photographie est entrée dans ma vie — non pas pour imiter la réalité, mais pour amplifier les histoires que je voulais raconter..

Ctrl+Art+Del est le fruit de cette exploration — une réinitialisation artistique.
Le Centre Paris Anim’ Musidora, dans le 12ᵉ arrondissement de Paris, l’a accueillie en octobre 2025.

Chaque image de cette exposition est disponible en édition limitée à 25 tirages signés et numérotés. Ce ne sont pas de simples images — ce sont des fragments d’une âme numérique, poétique et mondiale.

Comment j'utilise l'IA dans mon exposition d'art urbain à Paris

Ce ne sont pas de simples « images générées par IA ».
Chaque visuel de Ctrl+Art+Del est né d’une idée, d’une histoire, d’un lieu que j’ai traversé ou rêvé. Je n’ai pas utilisé l’IA pour fuir le travail artistique — mais pour le sublimer.

Chaque œuvre d'art combine :

• Une composition visuelle assistée par l’IA, enrichie par des prompts inspirés de mes souvenirs et de ma pratique photographique.
• Une profondeur et un grain photoréalistes, inspirés par la photographie argentique et la beauté brute des décors urbains.
• Une illusion de street art numérique, imitant les textures de peinture en spray, les reflets sur le trottoir et l’usure des murs.

Prenons Pluie Intérieure par exemple — la tristesse dans ses yeux fermés, le reflet tremblant dans une flaque, la crasse londonienne — tout est orchestré pour sembler réel, même si cela n’a jamais existé.

Je ne crée pas seulement des images — je crée des échos d’émotions.

C'est ma voix, pas celle de mon outil.

J'ai toujours pensé que l'art n'était pas une question de technique, mais plutôt de présence.

Pour moi, l’IA n’est pas un raccourci. C’est comme une nouvelle forme d’objectif. Tout comme la photographie m’a appris à voir à travers la lumière et l’ombre, l’IA me permet de peindre avec la mémoire et l’émotion. Elle m’a donné le pouvoir de créer des scènes qui n’existaient autrefois que dans des rêves ou des métaphores.

Dans cette exposition, je souhaitais vous faire voyager :

• À travers des villes où les âmes s’inscrivent sur les murs (Paris, Londres, La Havane).
• À travers des émotions tracées comme la pluie (tristesse, renaissance, envol).
• À travers des questions de contraste : chaos/ordre, nature/ville, solitude/connexion.
• À travers des rêves partagés — de Macondo à Orwell — qui ont façonné notre imaginaire collectif.

Et enfin, je termine par une fresque inachevée — une ligne blanche. Car je ne crois pas aux mots de la fin.
Je crois en l’invitation à poursuivre l’histoire.

Conclusion

Ctrl+Art+Del n’est pas seulement une exposition — c’est une réinitialisation. Un CTRL+ALT+DEL pour l’âme artistique.

À travers chaque image, j’ai essayé de réinventer ce à quoi ressemble la créativité quand on cesse de craindre l’outil, et qu’on commence à l’utiliser pour exprimer ce que seuls les humains peuvent : émotion, contradiction, fragilité, joie.

Chaque œuvre est disponible en édition limitée de 25 tirages signés.
Si l’une d’elles vous touche, sachez ceci : vous n’achetez pas un produit —
Vous recueillez un fragment de ma voix.

Vous pouvez découvrir le catalogue complet de Ctrl+Art+Del sur Amazon, avec toutes les œuvres et leurs histoires.

Pour en savoir plus sur mon parcours et mes projets précédents, rendez-vous sur la page À propos.

Vous souhaitez obtenir un tirage ou poser une question ?

Contactez-moi via ma page de contact

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Graffiti has always been more than just rebellious splashes of color on urban walls. It’s a language of resistance, identity, and emotion—a fleeting yet powerful form of storytelling that lives and dies in public view.

And now, it’s evolving.

That encounter inspired a question I couldn’t ignore:
What if I could use AI to extend that storytelling—beyond walls, beyond time?

Through this question, my journey into Prompt Art began.

What Is Prompt Art? (And Why It’s Not Cheating)

Prompt Art is the process of using words to paint pictures—with the help of generative AI. It’s not a replacement for traditional art. It’s an expansion.

You describe an idea—say, “a surreal mural where a woman’s hair flows into Gothic arches and stained glass windows”—and watch the image unfold through AI. From there, it’s a dance of iteration: refining lighting, textures, symbols. The tools might vary (MidJourney, DALL·E, Kling.ai), but the goal remains the same: turning vision into visual narrative.

In my book, Street Art Vol. 1: Beyond Frames, I show how I crafted simulations rooted in centuries of art history, music genres, and emotions—each piece transforming a digital wall into a layered story.

How I Build These Murals: My Prompt Art Workflow

The process I use is both structured and intuitive. Here’s a peek:

1. Concept Development: I begin by choosing a theme—like Melancholy, Renaissance, or Jazz.
2. Prompt Creation: I describe the scene in rich, cinematic detail.
3. Tool Selection: Depending on the visual goal, I use:
   • ChatGPT + DALL·E for iterative narrative control
   • Kling.ai for stylized realism
   • Dreamstudio for cinematic or photographic finishes
4. Editing: I fine-tune outputs in Photoshop—especially when AI struggles with hands or details.
5. Exporting: I generate high-res versions in both CMYK (for print) and RGB (for digital display).

“Each simulation is a curated story—designed to echo the raw soul of graffiti with the infinite potential of AI.”

Why I Wrote the Book (and Why You Should Read It)
Street Art Vol. 1: Beyond Frames is a creative manifesto. It exists for three reasons:

1. To Show the Process: I lay out every step of my Prompt Art method.
2. To Express My Voice: Through centuries, music, and emotion, I reveal my creative obsessions.
3. To Educate and Empower: I want others—especially artists unsure of AI—to see its potential as a collaborator, not a threat.

The book includes 50+ full-page artworks, prompt breakdowns, and reflections on how each piece was born.

Get your copy here and explore the untamed space where art and tech collide.

Recap: Graffiti Is Dead. Long Live Graffiti.

AI isn’t here to erase graffiti—it’s here to reimagine it.

Through Prompt Art, we’re not replacing walls with screens—we’re adding new dimensions to storytelling, emotion, and expression. Whether you’re a traditionalist or technophile, the future of art invites us all to pick up the brush—be it physical or digital.

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Introduction

Au cours de cet été, j'ai eu l'occasion de devenir, l'espace de quelques heures, un chercheur d'échos de l'histoire. Oradour-sur-Glane, un village figé dans le temps, m'a attiré avec ses ruines silencieuses et ses histoires obsédantes. J'ai cherché à en capturer l'essence à travers mon objectif, en utilisant souvent une grande profondeur de champ (grande ouverture). Le post-traitement que j'ai choisi avait pour but de refléter la désolation et le fort sentiment de malaise qui imprègne cet endroit.

Arrivée

Entrer à Oradour-sur-Glane, c'est comme pénétrer dans une capsule temporelle. Les ruines, intactes depuis ce jour fatidique de juin 1944, rappellent brutalement un passé brutal. Le silence profond, rompu uniquement par le murmure du vent et le bourdonnement lointain des insectes, m'a rempli de respect et de tristesse. En marchant dans les rues, j'ai soigneusement évité de capturer des personnes dans mes clichés afin de préserver la solitude fantomatique du village. J'ai souvent utilisé un premier plan pour créer un sentiment d'intimité et de respect, comme si j'étais le témoin du passé d'un événement indésirable et horrible.

Juin 10^th 1944

Le 10 juin 1944, vers 13 heures, environ 200 soldats de la Waffen SS de la 3e compagnie, dirigés par le capitaine Kahn, se mettent en route pour Oradour-sur-Glane. Ce samedi-là, le village est vivant, le temps est pluvieux et la plupart des villageois restent chez eux. Lorsque les premiers véhicules allemands entrent dans le village, celui-ci est déjà méthodiquement encerclé. Les habitants sont regroupés vers le centre du village et rassemblés sur le Champ de Foire. L'ordre est donné de tirer sur ceux qui n'y parviendraient pas.

Le Champ de Foire, aujourd'hui un espace ouvert entouré de bâtiments en ruine, était l'endroit où les hommes étaient séparés des femmes et des enfants, qui étaient ensuite conduits à l'église. Les hommes étaient emmenés dans des lieux clos prédéterminés. Un signal est donné et ils sont exécutés simultanément. Pendant ce temps, les soldats tuaient aveuglément les autres dans les rues et les maisons, pillant et incendiant le village. Brûlant les cadavres et détruisant la ville, certains hommes, encore vivants sous le tas de feu, tentent d'échapper à l'incendie et sont abattus. Quelques-uns ont réussi à s'échapper.

Ce qui était un village agréable et vivant ce samedi matin est devenu un champ de drame humain et de désolation. Aucun avertissement, aucune raison ne peut excuser une telle barbarie.

Dans l'église, j'ai pensé à la détresse et à la peur qui ont dû envahir les mères et les enfants enfermés dans ce lieu, pas moins de 450 âmes. Les assaillants avaient placé une caisse en bois au milieu de l'église, des cordes y sortaient - une bombe incendiaire. Réalisant ce qui allait se passer, certaines femmes ont été submergées par la détresse et la peur, d'autres par le déni. Les assaillants ont mis le feu à l'église et ont tiré sur ceux qui tentaient de s'échapper. Les murs, marqués par les balles et le feu, semblaient faire écho aux cris de ceux qui étaient piégés à l'intérieur. Je me tenais là, appareil photo en main, ressentant un profond sentiment de perte et de colère.

Ce jour ignominieux, à la tombée de la nuit, une partie de la troupe regagne son camp, tandis que d'autres restent pour garder le village dévasté. Le lendemain, une section revient pour éliminer systématiquement les corps par le feu et les enterrer dans une fosse commune. Cette profanation rend l'identification impossible, prolongeant la terreur en privant les familles des victimes de la possibilité de faire leur deuil. Au total, 643 victimes ont été dénombrées.

Réflexion

En continuant à explorer les ruines, j'ai vu la mère et son fils dans l'église. L'enfant jouait, ignorant la sinistre histoire de ce lieu. La joie et l'innocence de cet enfant m'ont profondément frappé, contrastant fortement avec les cris et les larmes des femmes et des enfants qui ont péri en ce jour ignominieux de 1944. Cette juxtaposition de la douleur passée et de l'innocence présente m'a semblé surréaliste, amplifiant la tragédie de ce qui s'est passé ici.

Après la guerre, Charles de Gaulle a déclaré Oradour-sur-Glane lieu de commémoration, symbole de l'horreur de la guerre. Le 5 mars 1945, en dévoilant une plaque dénonçant la barbarie nazie, de Gaulle déclara : " Si nos amis nous aident, tant mieux. Mais il nous appartient, indépendamment de toute sécurité générale, de faire justice et d'empêcher le renouvellement de tels crimes." Cette visite a marqué les esprits, d'autant plus que quelques mois plus tôt, il avait décidé de conserver en l'état le village martyr, décision validée par le Gouvernement provisoire de la République française le 28 novembre 1944. Charles de Gaulle entendait faire d'Oradour-sur-Glane un symbole des souffrances endurées par le peuple français pendant les quatre années d'occupation.

Pourtant, alors que je me trouvais là, je n'ai pu m'empêcher de me demander combien de temps il faut pour que de telles horreurs soient oubliées. Malgré plus de 300 000 visiteurs par an, qui viennent se souvenir, réfléchir ou parfois, ce qui est troublant, prendre des selfies, le spectre du négationnisme persiste. Seuls ceux qui ont vécu peuvent parler au nom des morts.

Robert Hebras, le dernier survivant du massacre, a déclaré un jour : "Il est clair que les générations futures revivront cette horreur" Ses mots ont résonné dans mon esprit, me rappelant brutalement que les leçons de l'histoire sont souvent à deux doigts d'être oubliées.

Le président Macron, lors de son discours en 2017, s'est fait l'écho de ce sentiment: “Ce jour du 10 juin 1944, c’est tout ce que nous haïssons qui s’est abattu sur le village d’Oradour. La vie humaine fut comptée pour rien, l’innocence fut assassinée, la souffrance des victimes fit le plaisir des bourreaux. La mort devint un jeu, le néant un but. ‘Plus jamais ça’, ont crié des générations de survivants aux guerres atroces du XXème siècle; ‘Plus jamais ça’, ont crié les familles d’Oradour, de Tulle, de Maillé, d’Ussel et de tant d’autres lieux de supplices; ‘Plus jamais ça’ ont clamé les rares rescapés des camps de la mort. Mais nous savons bien que tout recommence et que tout peut recommencer. Et ce sera votre responsabilité à vous jeunes gens de toujours y veiller, parce que jamais vous n’oublierez, parce que nous savons bien en effet qu’à nos portes cela continue.”

La barbarie qui a dévasté Oradour-sur-Glane est toujours présente au sein de l'humanité. La seule véritable défense contre une telle folie est notre conscience collective et notre vigilance.

En marchant dans Oradour-sur-Glane, je me suis rappelé l'importance de se souvenir et d'honorer le passé. Ce village, préservé dans son état de ruine, est un témoignage puissant des atrocités de la guerre et de la résilience de la mémoire humaine. C'est un lieu où l'histoire semble douloureusement réelle, nous incitant à réfléchir à notre capacité à la fois de cruauté et de compassion.

Conclusion

En quittant Oradour-sur-Glane, j'ai emporté avec moi un cœur lourd et une compréhension plus profonde du poids de l'histoire. À travers mes photographies, j'espère transmettre le chagrin silencieux et la force durable de ce lieu. Oradour-sur-Glane n'est pas seulement un rappel du passé, mais un appel à se souvenir, à apprendre et à lutter pour un avenir où de telles tragédies ne se reproduiront plus.

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Cependant, au-delà du charme convaincant de la vitrine se cache une réalité crue : les tanneries elles-mêmes. C'est là que le célèbre cuir de la ville prend vie, issu d'un travail qui flirte avec les limites de l'endurance. Les ouvriers, souvent dans des conditions implacables, transforment les peaux brutes en objets de désir. Ce n'est pas un simple travail ; c'est un artisanat ancien, qui porte les lourdes marques du labeur et le passage incessant du temps.

Visiter les tanneries, c'est être témoin d'un tableau de survie et de tradition. L'odeur du cuir traité pèse lourdement dans l'air, rappelant le tribut physique exigé à la fois de la bête et de l'homme. C'est une rencontre qui interpelle le visiteur, remettant en question les notions mêmes d'une 'société civilisée' que nous prétendons si confortablement habiter.

Est-ce une simple naïveté, ou peut-être une complicité plus sombre, qui trace les lignes séparant le spectacle touristique de la réalité laborieuse ? On ne peut s'empêcher de réfléchir au prix de cet héritage et aux vies qui en assurent la continuité. Alors que le cuir sèche et que les touristes s'éloignent, ce qui persiste, c'est l'écho d'une question : sommes-nous prêts à affronter le coût humain et éthique inscrit dans nos souvenirs ?

Merci de visiter mon monde, où chaque photographie n'est pas seulement une capture visuelle, mais une histoire qui attend d'être racontée. Regardons plus loin, et ensemble, découvrons les histoires qui se cachent derrière le vernis de la tradition.

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Capturer la danse éphémère du temps sur la toile de fond d'un ciel en perpétuel changement est une quête de patience et de créativité. La photographie en accéléré nous permet de percevoir les rythmes subtils du monde sous un jour nouveau, révélant le mouvement fluide de la vie que nos yeux ne peuvent pas voir en temps réel. Depuis mon point d'observation unique au sommet du cœur animé de Paris, j'ai entrepris de chroniquer le ballet céleste des nuages et le doux passage du jour à la nuit.

Armé de mon fidèle appareil photo, d'un chariot stable pour des transitions en douceur et d'un esprit d'expérimentation, je me suis lancé dans ce projet pour comprimer des heures en secondes - chaque time-lapse étant réalisé à partir d'environ 500 prises de vue individuelles à 20 secondes d'intervalle. Ce processus méticuleux n'est pas seulement technique mais aussi profondément artistique, invitant les spectateurs à réfléchir au passage du temps et à la sérénité qu'il peut apporter.

Le résultat est une série de séquences en accéléré qui offrent un aperçu de l'âme de Paris lorsque le soleil descend sous l'horizon ou qu'une tapisserie de nuages se tisse dans le ciel. C'est un balayage panoramique des toits de la ville, un sonnet visuel à la fin de la journée et un témoignage du charme durable de la ville.

Je vous invite à regarder cette convergence du temps, de la technologie et de l'art dans la vidéo ci-dessous, hébergée sur la chaîne Studio84. Puisse-t-elle vous inciter à faire une pause, à respirer et à apprécier les moments fugaces qui définissent la beauté de notre existence.

J'espère que ce voyage visuel dans les cieux parisiens enrichira votre journée autant que la capture de ces moments a enrichi la mienne. Si cela vous touche, partagez vos réflexions dans les commentaires, ou contactez-moi pour un dialogue sur les merveilles de la photographie en accéléré.

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En m'aventurant au cœur de Paris, ma dernière découverte dans notre série d'explorations de rue est un mur de graffitis à couper le souffle, qui s'étend sur plus de 200 mètres le long du Quai de l'Allier. Il ne s'agit pas de n'importe quel art de rue ; c'est un reflet poignant des contrastes sociétaux et un mélange d'expressions culturelles diverses.

Le mur, une tapisserie vibrante de couleurs et de formes, capture l'essence d'une société à la croisée des chemins. Ici, l'énergie brute de l'art de la rue rencontre la dure réalité de la disparité sociale. La toile de fond est typiquement parisienne - une zone où les immigrants ont trouvé refuge, installant leurs tentes Quechua colorées, créant une juxtaposition vivante sur la toile urbaine.

Détails techniques

Pour partager ce chef-d'œuvre avec vous, je me suis lancé dans un projet ambitieux : créer un collage numérique massif qui englobe toute l'étendue du mur. Armé de mon fidèle reflex numérique, d'un objectif EF16-35 mm réglé à 26 mm et de conditions d'éclairage parfaites (ISO 100, 1/800 sec à f4.0), j'ai capturé le graffiti dans sa forme la plus pure. Le soleil de midi a permis de prendre des photos claires et sans ombre, mettant en valeur chaque détail de ce phénomène urbain.

Bien que j'aie rencontré des difficultés pour compiler ces images en une seule image - ce qui a donné un fichier colossal de 1,5 Go - le produit final est un témoignage de la grandeur du mur et des histoires qu'il raconte. Chaque segment de graffiti est un récit en soi, reflétant la diversité culturelle et sociale de Paris.

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À quelques pas de chez moi, à Paris, se trouve un joyau caché, Les Pavillons de Bercy - Musée des Arts Forains, l'un des musées les plus uniques de Paris. Ce n'est pas n'importe quel musée ; c'est un hommage captivant au spectacle et à la joie des fêtes foraines historiques.

Les Pavillons de Bercy offrent une expérience enchanteresse avec quatre zones thématiques distinctes, chacune méticuleusement conçue pour évoquer différentes époques de spectacle et de fête. Le musée n'est pas un simple espace d'exposition mais un chef-d'œuvre théâtral, où chaque recoin raconte une histoire, enrichie par mes sentiments d'émerveillement et de nostalgie.

Le cœur de ce musée réside dans son extraordinaire collection d'objets authentiques, méticuleusement conservés, datant des 19e et 20e siècles. Ces artefacts ne sont pas de simples objets d'exposition, ce sont des conteurs d'histoires, des reliques d'une époque révolue qui résonnent encore de l'esprit de fête et d'art.

En vous promenant dans le musée, vous vous retrouverez au milieu d'une scénographie qui allie le charme fantaisiste des fêtes foraines d'antan à la sophistication de l'art moderne. C'est un lieu où l'histoire respire à travers des carrousels colorés, des jeux anciens et des statues qui ont été les témoins de siècles de rire et d'émerveillement.

Informations techniques

Mon fidèle reflex numérique était réglé sur une grande ouverture, exploitant la faible luminosité pour peindre chaque cliché avec les teintes d'antan. Sans flash pour troubler l'ambiance, j'ai retenu mon souffle, stabilisé ma position et laissé l'obturateur bercer les rires silencieux et les chuchotements des esprits de la fête foraine. C'était une danse de patience et de précision, garantissant que chaque image était exempte de bruit, chaque image témoignant de l'âme rayonnante du musée.

Conclusion

Je vous invite à découvrir Les Pavillons de Bercy - Musée des Arts Forains, que vous soyez un passionné d'histoire, un amateur d'art ou que vous cherchiez simplement à vous évader dans un monde de fantaisie et de nostalgie. Ce musée promet un voyage inoubliable à travers le temps et l'imagination, et je vous invite à découvrir ses merveilles par vous-même.

Les pavillons de Bercy site

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Dans l'étendue sereine du parc de Bercy, à Paris, se dresse un ensemble poignant de statues appelées "Enfants du monde", réalisées par l'éminent sculpteur français Rachid Khimoune. Chacune des 21 statues, façonnées à partir de l'essence même des rues de la ville, porte un nom unique qui fait écho à l'âme et à l'esprit du pays qu'elle représente :

• Ayako la Japonaise - Japon
• Dick l’Anglais – Angleterre
• Kahina la Kabyle – Kabylia
• Akavak le Canadien - Canada
• Mu Nan la Chinoise - Chine
• Jean le petit Suisse - Suisse
• Eve l'Allemande - Allemagne
• Mahatma l'Indien - Inde
• Jean-Baptiste le Monégasque - Monaco
• Naomi l’Africaine – Africa
• Mohamed le Marocain – Morocco
• Jim le New Yorkais – New York
• Jeanne la poupée Russe – Russia
• Enzo L’italien – Italy
• Felipe le Mexicain – Mexico
• Ali le Tunisien – Tunisia
• Rania l’Arabe – Arab countries
• Antonio le Brésilien – Brazil
• Isis l’Egyptienne – Egypt
• Marie-Carmen l’Espagnole – Spain
• Le Titi Parisien – Paris

L'inspiration pour cette séance photo est née d'une fascination pour l'art et le symbolisme qui se cachent derrière chaque statue. Ce ne sont pas de simples sculptures, mais des incarnations de l'enfance à travers le monde. Les couleurs vives et la construction des moules d'égout en disent long sur l'état d'esprit culturel que représente chaque enfant. Ce projet photographique était mon hommage aux histoires silencieuses que racontent ces figures, une tentative d'immortaliser leur récit à travers mon objectif. Ce fut un voyage pour capturer non seulement des images, mais aussi des âmes - chaque image étant un témoignage de la diversité vibrante du monde.

Informations techniques

Lorsque j'ai entrepris de photographier les statues "Enfants du monde" de Rachid Khimoune, j'ai été confronté à un défi technique qui, en fin de compte, améliorerait la narration visuelle du collage. Chaque prise de vue a nécessité une attention méticuleuse aux détails afin de maintenir la cohérence de la série.

Réglages de l'appareil photo :

• Temps d'exposition : Pour capturer les statues avec clarté, j'ai utilisé une exposition de 1/125 seconde à f/5,6, ce qui m'a permis de figer l'instant sans perdre de détails à cause du flou de mouvement ou de la profondeur de champ.
• Longueur d'objectif : J'ai choisi un objectif de 50 mm sur mon Canon EOS 5D Mark III pour sa perspective naturelle, très proche du champ de vision de l'œil humain.
• Vitesse ISO : Réglé à 200 ISO, j'ai équilibré le besoin de netteté avec la lumière disponible, garantissant un bruit minimal et un maximum de détails.
• Flash : J'ai choisi de ne pas utiliser de flash afin de préserver l'éclairage ambiant des statues et de mettre en valeur leurs textures et leurs contours tels qu'on les voit dans leur environnement naturel.
• Programme d'exposition : La décision de photographier en mode manuel m'a permis de contrôler totalement les paramètres d'exposition, ce qui est nécessaire pour obtenir des images cohérentes.
• Mode de mesure : Le mode de mesure par mire m'a permis de mesurer la lumière sur l'ensemble du cadre afin d'obtenir une exposition équilibrée.

Objectifs:

• Canon EF50mm f/1.4 USM : Cet objectif m'a permis d'obtenir des images nettes avec un arrière-plan agréable, même dans la lumière douce du parc de Bercy.

Après la séance de photographie sur place, la véritable magie s'est produite lors de la post-production. Les images brutes ont été soigneusement éditées à l'aide de Photoshop afin de garantir une exposition cohérente sur toutes les prises de vue. Ce processus méticuleux a été crucial pour créer un collage 3×7 harmonieux qui représente véritablement l'unité des "Enfants du monde" de Rachid Khimoune. Chaque photographie du collage a été ajustée pour correspondre à la lumière et au ton, faisant de la pièce finale un tableau cohérent et équilibré qui témoigne à la fois de la diversité et de l'unité des enfants qu'il représente.

Pour en savoir plus sur Rachid Khimoune et son travail, visitez rachidkhimoune.com.

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